- PISTA

OBJETOS QUE DICEN YO

Como objeto que falta mencioné mi camarita digital de los 00´s. Un objeto que siempre llevo conmigo y con el cual puedo ir registrando todo lo que voy observando y capturando a mi alrededor.
Durante muchos años priorizaba llevar una cámara analogica porque el formato me parece mas interesante y la estética de las fotos más rica, sin embargo, debido a una serie de inconvenientes que veía principalmente relacionado a los rollos, su valor y la facilidad en conseguirlos decidí indagar en un tipo de fotografía más instantánea, rápida y con menos probabilidad de error.

Fue toda una transición pasar de un formato a otro. Me cuesta adaptarme al hecho de que puedo, con la camarita digital, tomar todas las fotos que quiera, configurar muchos más parámetros e incluso grabar.
Igualmente, hay algo en la estética de esas fotos pixeladas, medio lavadas, que me recuerda a las vacaciones de la infancia o a los álbumes familiares de los 2000. Usarla también es una forma de volver a mirar el pasado desde otro lugar.

Y aunque al principio sentía que perdía parte del ritual que me daba la fotografía analógica, con el tiempo entendí que lo importante sigue intacto: la necesidad de observar, de detenerme, de capturar algo que me conmueve. La digital me devolvió una ligereza que no sabía que necesitaba y me permitió poder capturar una infinidad de momentos que guardo en una memoria de 2GB.

MI PRIMERA EXPERIENCIA CON LA ELECTRICIDAD

La primera vez que sentí electricidad en mi cuerpo fue cuando fuí por primera vez al cine. Tenía aproximadamente 5 años y a mis padres les resultó conveniente llevarnos a ver una película.
Recuerdo como, debido al fuerte sonido, mi cuerpo retumbaba, y yo en un esfuerzo casi nulo me tapaba los oidos para amortiguar lo incomodo que me parecía la situación.

Si bien no tiene mucha relación con la electricidad, a mi corta edad era la única explicación coherente a porque sentía que ondas que vibraban me atravesaban de un lado de mi cuerpo al otro.
No me gustó.

PISTA

"Recorte una palabra de un periódico.
Plántela en medio de la hoja.
Haga que crezca con palabras hacia arriba y con palabras hacia abajo. Al terminar lea el texto resultante en voz alta al micrófono de su teléfono celular.

Guarde el archivo rotulado como: La palabra semilla

PUESTA EN ESCENA DE “Candice Breitz - Legend” y “Annabelle - Serpentine Dance”

Me interesa pensar las estrategias de puesta en escena en ambas obras a partir de cómo se vinculan con la idea de presencia: Una presencia múltiple, individual, o fantasmagórica, en cierto punto y según el caso.
En En Legend de Candice Breitz, la multiplicidad de pantallas organiza una polifonía visual y sonora. Cada individuo está delimitado por los márgenes de una pantalla. Dentro de ésta hay un fondo azul que unifica visual y espacialmente a cada persona, pero al proyectarse todo al mismo tiempo, se genera un cuerpo colectivo fragmentado, sincronizado y particularmente una especie de “Todo colectivo”, donde no vemos a cada uno de manera aislada. Ni siquiera tenemos acceso a tanto detalle. Sino más bien vemos la sincronía que se establece y a cada uno como parte de ese todo.

La cámara que documenta no es invisible: Su temblor y movimiento delatan la presencia de un “operador”.
Además ciertos rasgos estéticos del video nos revelan algunas materialidades, por ejemplo, como fliquean las pantallas al ser grabadas producto los tubos de rayos catódicos de estas mismas, también que la canción que suena de fondo, y se hace creer que es cantada por este grupo de individuos, es en realidad una pista añadida en post, en el momento de edición, ya que se escucha con una claridad diferente a la que podríamos acceder si se tratara de el registro que se obtiene al grabar las pantallas y su sonido al mismo tiempo.

En cambio, Serpentine Dance propone una puesta en escena donde el cuerpo femenino aparece como una entidad plástica. El movimiento continuo de la túnica, amplificado por los efectos del color, el desgaste de la cinta y la textura sepia, genera una imagen que parece despegada del tiempo. Aunque se trata de una grabación antigua, hay algo medio espectral de la figura que se genera mediante la danza y el movimiento de la tela.
Como si el video reviviera un cuerpo que ya no está pero que se mueve en loop.

Mediante una cámara fija, frontal, se refuerza esta idea de que se trata de un espectáculo visual, de que la puesta en escena del directo se inscribe más como una ilusión. Una danza que ocurre una y otra vez atrapada en el soporte mismo del DVD y sus errores cromáticos.

En ambos videos la corporalidad no aparece de manera del todo directa, sino que está atravesada por un dispositivo técnico que la transforma, multiplica o fantasmagórica. La puesta en directo se plantea desde un lugar del “estar” y la construcción en capas que da lugar a ese estatuto. Capas visuales, sonoras, tecnológicas y temporales.

REMAKE "NEW BOOK"

Cuando comenzamos a plantear la idea que íbamos a filmar nos dimos cuenta que se repetía la idea de la descomunicación, el desencuentro, y la desintonia.
Mediante 2 cámaras (para así captar mejor el movimiento y que después haya cierta concordancia al editar), nos enfocamos en dos personajes, que estando en los mismos espacios no se logran encontrar.

A partir de una cámara estática, casi como si estuviera espiando el caos porteño, nos enfocamos en estas dos personas, quienes durante 3 minutos esperan ese encuentro, cuestión que nunca sucede.

Creo que lo interesante de realizar el proyecto fue, por un lado, la construcción de esta escena en múltiples cuadros y espacios que eran constantemente interrumpidos por estímulos, actores y elementos extradiegéticos. Los cuales no podíamos controlar o dirigir.
Por ejemplo, en uno de los cuadros, por aproximadamente 30 segundos se cruza una camioneta blanca, y en vez de interrumpir la grabación, decidimos continuar ya que dimensionamos que algo así podía suceder y que incluso tenía la capacidad de enriquecer el plano.

Por otro lado, me pareció muy interesante el reto edición, ya que no fue nada fácil poder coordinar el movimiento y sincronizarlo. Creo que de por sí editar a 6 pantallas es nuevo, y por ende te invita a descubrir una manera de observar el proyecto distinta, con una atención más focalizada en cada cuadro, y un análisis del detalle mucho mayor.

Como crítica constructiva creo que podríamos haber hecho nogar mejor a las dos protagonistas, ya sea con una prenda con más color o con una presencia dentro del plano más cercana.
También podríamos haber indagado un poco más en el momento en que entran y salen los personajes, tanto a nivel visual como sonora.

PUESTA EN ESCENA - TP 1

A partir de un análisis de puntos en común y encuentros estéticos dentro de la selección de los dos videos de los que tuvimos que reflexionar, nos pareció importante abarcar la propuesta de este proyecto a partir de ciertas premisas condicionantes para nuestra puesta en escena: Por un lado, el directo como técnica de lo real en una videoinstalación. Herramienta vehiculizante de la imagen y sonido en un preciso instante.
En consecuencia, la presencia de un espectador que completa la experiencia con su propia interpretación.

Por otro lado, trabajar sobre el cuerpo fragmentado y el reflejo como instancia de reconstrucción de éste.

Mediante un conjunto de operaciones técnicas que involucran diversos aparatos y materiales se construirá, transmitirá y recepcionará en simultáneo y en vivo la presencia de dos cuerpos. Uno visible y otro invisible. Una dualidad entre lo subjetivo y lo objetivo

La puesta en escena es la siguiente: En el centro de una habitación se encuentra un espejo fijo. Por un lado, un espejo común, por el otro, un fondo monocromo que reviste la totalidad de la dimensión del espejo.

Un individuo (Persona A) se mueve de un lado al otro. Cuando se mueve al lado del espejo que refleja, observa su propia silueta, pero cuando se mueve al reverso observa la silueta de persona B. A quien sólo vemos en esa instancia ya que no se encuentra en el mismo espacio que la persona A.

mediante un switcher se va controlando esos cuatro canales de video (4 cámaras).
Por un lado, una cámara que presenta el espacio mediante un plano general. Captura la totalidad del espacio, del cuerpo y del elemento que se encuentra en el centro de la habitación. ¿Su rol? Introducir la dinámica que se va a presentar.
La persona A hace este juego de moverse de un lado al otro un par de veces antes que se vaya utilizando el switcher para cambiar de canal, así el espectador tiene conciencia de que se va a presentar.

Cuando se mueve al lado del espejo que refleja, se cambia a la segunda cámara, que angulada evidencia a la persona y su silueta.
Cuando la persona se mueve al lado del croma se cambia a la tercera cámara, que en la misma posición que la segunda cámara (angulada), graba a la persona A observando el croma, como si apreciara su reflejo, pero en realidad mediante una cuarta cámara vemos el cuerpo de la persona B.

La lógica está en que la persona también se observa en el croma, pero lo que el espectador ve es otro cuerpo, otra silueta, otro individuo que no está presente en el mismo espacio físicamente, pero sí de manera abstracta.

Respecto al diseño de sonido, solo va a haber un canal, el cual se encontrará ubicado en el espacio donde está la persona B.
La idea es que la construcción del espacio sonoro no tenga lógica con el que habita la persona A, introduciendo al segundo individuo mediante dos formas: Un croma y un canal sonoro.
Se propone trabajar con determinadas tecnologías en el registro ya que la premisa del proyecto es la relación entre la fragmentación de la identidad, la fragmentación del espacio y la relación entre lo visible y no visible en un intento de seleccionar que verá el espectador y que escuchará evocando un segundo espacio en el que no estamos presentes.
Elaborar relaciones de binomios (cuerpo/espacio, subjetivo/objetivo, artista/audiencia, fragmentos/totalidad, reflejos en espejos/imágenes en video).

BITACORA CONCEPTUAL

Como primer acercamiento al proyecto que se plantea realizar, nos parece fundamental aclarar que el punto de arranque creativo parte de cierto contenido audiovisual que nos presenta nuevas formas de integrar técnicas, herramientas y aparatos que previamente eran casi desconocidos, al igual que conceptos teóricos que nos permiten posicionarnos desde un lugar del entendimiento y la exploración de nuevas dinámicas relacionadas al directo.

Respecto al material audiovisual, mencionar los 2 videos que cada una seleccionó previamente para la entrega reflexiva.
Por un lado “Candice Breitz - Legend” y “Annabelle - Serpentine Dance”, por otro, “Leftside Rightside - Joan Jonas” y “performer/Audience/Mirror - Dan Graham”.

Los 4 videos desprenden reflexiones individuales respecto a la puesta en escena y el tratamiento de la imagen que se decide utilizar. De estas reflexiones surgen conclusiones en común: El trabajo de lo fragmentado, una resignificación del cuerpo y una reconstrucción del mismo.

Además, el video “Three transitions” de Albert Campus, visto en clase.
Este video nos propone nuevas formas de trabajar el cuerpo en relación al croma.

Utilizarlo como una herramienta de descubrimiento, de jugo entre lo objetivo/subjetivo, en integrar varios cuerpos en vez de uno solo, y sobre todo, poder jugar con esa nueva relación que se establece.

Algunos conceptos teóricos que se introducen tanto en clase como en materiales de lectura es el rol y la técnica del directo. Su relación con lo real, con el instante inmediato, y con el espectador.
Al igual que herramientas como el Switcher y las múltiples posibilidades de creación que integra.

Todo lo anterior mencionado, de forma integral, nos permitió pensar una propuesta que se apoye en aquellos recursos, invitándonos a indagar en nuevas propuestas creativas que antes ignorábamos pero que ahora podemos abordar desde el lado del entendimiento y la experimentación.